Más allá del centro: construir la escena artística en La Laguna desde los cimientos

Leonardo Daniel Aguirre <3

En espacios periféricos, donde no se encuentra cerca un núcleo artístico, las prácticas curatoriales se tornan un reto ante la diversificación del público y las pocas o nulas herramientas para el desarrollo del ecosistema artístico. Teóricos como Pablo Helguera, Mônica Hoff y Maria Lind, han dialogado y propuesto conceptos en torno a metodologías que bien se podrían localizar y funcionar fuera de las prácticas artísticas de las grandes urbes o centros de arte, tales como transpedagogía¹, mediación², comunidad³ o curaduría pedagógica⁴. Dichos términos pueden ser empleados como estrategias para una mayor diversificación de las epistemologías del arte que ayuden a comprender las complejas burbujas que enjaulan el conocimiento a través de las prácticas artísticas contemporáneas. 

En este texto revisaré el trabajo de tres proyectos periféricos para responder una serie de preguntas que abordan temas de curaduría pedagógica y prácticas artísticas contemporáneas fuera de los núcleos del arte: ¿qué ocurre en la práctica curatorial cuando se está lejos de los núcleos del arte?, ¿la práctica curatorial cambia cuando no se tienen las herramientas necesarias para abordar a un tipo de público en específico?, ¿cómo cambian las formas en que se llevan a cabo exposiciones y procesos educativos en estos espacios independientes? El propósito de esta revisión es construir, señalar y enfatizar las acciones que  emplean individuos en prácticas artísticas dentro de espacios independientes y para problematizar el desarrollo del arte contemporáneo en ecosistemas con una escena artística reducida.


En La Laguna⁵, región ubicada al norte de México, los espacios independientes para las prácticas artísticas contemporáneas son casi nulos, la vida artística depende, en cierta manera, del sistema institucional que opera en las diversas ciudades que componen la región. Esta región cuenta únicamente con tres espacios institucionales que exhiben arte contemporáneo y uno arte moderno: Museo Arocena, La Galería de Arte Contemporáneo Casa del Cerro, La Galería de Arte Contemporáneo Teatro Isauro Martínez y El Museo de Arte Moderno de Gómez Palacio. Dichas instituciones, más allá de que en la mayoría de las ocasiones las exposiciones que albergan no son arte contemporáneo si no moderno, no crean espacios alternos ni programas públicos para fomentar el interés en las prácticas contemporáneas, por lo tanto, el conocimiento y el interés en esta expresión queda relegado a una contemplación inmediata en las salas de exposición. 

A la par de la labor institucional, se han llevado a cabo proyectos independientes para el desarrollo y el seguimiento de prácticas artísticas contemporáneas, construyendo parámetros que operan fuera de las prácticas convencionales. Dichos proyectos se proponen atender diferentes enfoques que ayuden al desarrollo del ecosistema artístico de los agentes culturales y artistas. Uno de estos es Art Will Tear Us Apart⁶, proyecto fundado por Anahí García, curadora independiente y gestora cultural. Este proyecto nace en paralelo con la pandemia COVID-19, cuando los museos e instituciones de arte cerraron sus puertas a causa de las medidas implementadas por salubridad. Este proyecto se funda con la intención de gestionar y archivar las prácticas que se habían estado realizando en La Laguna por parte de agentes independientes. En marzo del 2020, esta plataforma, que se aloja en el espacio digital, comienza una serie de charlas con artistas de La Laguna titulada EL TERRUÑO, enfatizando la resonancia de sus proyectos y la importancia que tienen estos mismos en el entorno artístico desde diversos cuestionamientos que buscaban poner en crisis la formación de la escena local: ¿cómo construir mecanismos de visibilidad y emergencia en espacios geográficos marginales dentro del arte contemporáneo?, ¿qué es lo relevante, lo emergente y lo significativo en la región? y ¿cómo caracterizar la escena local? La serie de charlas contó con diferentes artistas, entre estos Iván Hernández y Alfredo Esparza Cárdenas, quienes contaron sus experiencias y procesos artísticos dentro de una escena artística reducida y las problemáticas de habitar un espacio fuera de la escena nacional del arte contemporáneo. Un año después se realizaron otras charlas, pero en este caso desde la teorización de fenómenos que atañen la escena artística o que ayudan a priorizarla. En su última edición se realizó la Semana al Fomento de la Creación Visual y Artística, que consistió en la teorización de las disciplinas artísticas con los artistas y la impartición de talleres, una fusión teórico-práctica de las artes.

Registro de la videoconferencia “¿Cómo hemos llegado hasta aquí?” del curador Daril Fortis tomado del archivo Art Will Tear Us Apart, 2020

Dicho lo anterior, resulta interesante la forma en que se lleva a cabo el aprendizaje de las artes, desde las charlas, pero también desde la práctica artística. Podemos decir que la metodología del proyecto Art Will Tear Us Apart opera en la transpedagogía, es decir, una plataforma que ofrece una experiencia diferente a las academias convencionales y que ayuda a la participación de los agentes culturales a través de mediaciones desde la activación artística. La curadora de este proyecto mencionó, en una plática⁷, que es difícil contemplar el quehacer contemporáneo en una región donde prácticamente esta expresión se encuentra relegada y desplazada, que le parece impositivo ejercer exposiciones de arte contemporáneo cuando el público no tiene un acercamiento a este o le es ajeno a su concepción del arte. Para la curadora es importante la mediación y el sondeo de los intereses del espectador, puesto que esto determinará el resultado de los procesos pedagógicos que conlleva su plataforma. Podemos observar que la transpedagogía que enmarcan sus acciones comienzan desde lo opuesto a lo que convencionalmente haría una institución oficial del arte. Esta plataforma parte de un sondeo de públicos para poder ofrecer espacios de entendimiento que puedan funcionar adecuadamente para el mayor rango posible. Es interesante la forma en que se plantea el quehacer artístico contemporáneo desde espacios externos a lo institucional, más allá del interés por llegar a un grupo de masas o vender, esta plataforma desarrolla puntos de encuentro que sirven en un proceso de divulgación, creación y formación de públicos.

Otro de los proyectos en La Laguna en el que habitan la transpedagogía, la mediación y la comunidad es NOREM, espacio fundado en la ciudad de Lerdo, Durango, por los artistas Jesús García Valdés, Iván Hernández y Martín Estrada Márquez, al cual eventualmente se le fueron sumando más integrantes como Perla Mata Chairez y Anahí García. NOREM inició y terminó sus actividades en el 2019, como un espacio dedicado a la exposición y el diálogo del arte contemporáneo. En un primer momento se realizó la exposición Pinchxs Novatxs (2019)⁸, con la participación de artistas locales, nacionales e internacionales. El objetivo era formular nuevas estrategias para la mediación del arte contemporáneo en La Laguna, desde eventos que giraban en torno a la socialización de ideas que hicieran emerger las prácticas artísticas, hasta la revisión de portafolios. Al inicio, se planteaba que pudiese funcionar como una especie de escuela independiente de arte, aspiraban a formar públicos y saberes desde una formación no profesional. Las acciones por parte de los integrantes iban formuladas a generar comunidad, en el sentido de poder desarrollar un panorama artístico con interés por el arte contemporáneo. En un primer momento se conformó una comunidad diversa que incluía arquitectos, artistas y docentes con el fin de intercambiar y funcionar como un espacio pedagógico interdisciplinario . Podemos entender que, desde la propuesta estructural del proyecto, términos como “comunidad” y “transpedagogía” se pueden vislumbrar, partiendo de la posibilidad de poder transmitir el conocimiento no institucional, pero también la diversificación y el poder relacionarse con otros actores de las humanidades.

NOREM albergó una comunidad que incluía agentes de otras disciplinas en procesos artísticos, ayudando a fortalecer el escaso interés en el arte contemporáneo desde las actividades no formales. Este espacio terminó sus actividades con la presentación de talleres y la formulación de una exposición con los objetos resultantes. 

Finalizando con la contextualización de los proyectos independientes en La Laguna, el último de los que mencionaré aquí es el Laboratorio Continuo de Prácticas Artísticas (LCPA), dirigido y fundado por el artista Alfredo Esparza Cárdenas. Dicho proyecto basa su estructura en la impartición de talleres, charlas, exposiciones y gestión de eventos. El laboratorio se crea en el 2021 con el fin de intercambiar diálogo entre los agentes culturales, pero también con el mismo objetivo de los anteriores, generar y diversificar la escena artística contemporánea en La Laguna. Este espacio tuvo su primera aparición en colaboración con Taller Transversal Mx en la feria de arte contemporáneo CLAVO⁹, en donde mostró un compilado de piezas que se realizaron dentro dicha comunidad. Más adelante, esta plataforma, que se desarrolla en el departamento de su fundador, retoma actividades con un ciclo de talleres y charlas en torno a prácticas artísticas relacionadas a diversas disciplinas. Dentro de estos talleres se implementó la fotografía análoga, el grabado y también se albergó a Omar Castillo, artista de Tijuana que realizó su residencia en esta plataforma en colaboración con Taller Chanate. El proceso que determina la estructura de LCPA se construye desde las mediaciones y la pedagogía, igual que en los otros dos proyectos, gira en torno a realizar comunidad, pero también a diversificar el público mediante una transpedagogía interdisciplinaria. Estos factores son importantes para el desarrollo de la comunidad artística, ya que estimulan al fomento y la realización de prácticas artísticas contemporáneas.

Registro de LCPA en Clavo, 2021

Una vez hecho el recorrido y contextualizar los proyectos independientes que transitan entre la transpedadogía, la curaduría y el hacer comunidad, es importante volver a las preguntas planteadas al inicio del texto. En primera instancia, responder la pregunta sobre qué ocurre en la práctica curatorial cuando se está lejos de los núcleos del arte. En los proyectos mencionados, la labor de curaduría se desarrolla en un panorama donde pocas veces es vista en la institución, es decir, el hacer curaduría en estos espacios conlleva la necesidad de poder insertarse en la formalidad, pero también en el hilar propuestas para que el público pueda acercarse al arte contemporáneo. La práctica por parte de los curadores en estos espacios emerge desde diferentes vertientes, partiendo de realizar la gestión de espacios, coordinar la participación de los artistas, mediar proyectos artísticos, hilar las propuestas y realizar programas públicos. En muchas de las ocasiones estos proyectos no son remunerados y los esfuerzos por contener un público son el doble de dificultosos que en un espacio que se encuentra en un núcleo del arte, pues el interés del público es difícil de captar al no tener un acercamiento al arte contemporáneo o simplemente no haber una escena artística intensa como sucede en otras partes. Es por eso que estos espacios generan otras posibilidades de realizar la práctica, teniendo como alternativas distintas formas y procesos que emergen desde lo autodidacta. Así mismo, en la línea de las preguntas, la última cuestión designada a la forma de curaduría en procesos educativos, exposiciones y cursos, tiene relación con las anteriores. El proceso de estás prácticas pedagógicas es distinto en estos espacios que a su vez parecen marginalizados, tienen como prioridad el interés del público, pero también la diversificación de este, como se había planteado en los objetivos de los proyectos que se presentaron al inicio.  

En conclusión, podemos observar que la transpedagogía, comunidad, mediación y curaduría se generan de diferentes maneras en espacios marginalizados y periféricos. La producción de estos espacios conlleva diferentes situaciones que obligan a crear alternativas para la realización de estas actividades. Los proyectos que se insertan en la transpedagogía son importantes para el entendimiento y la producción de públicos que se vinculen con el arte contemporáneo, las estrategias artísticas devienen de la misma, que se genera al querer hacer comunidad, partiendo de la reunión de agentes artísticos de diferentes disciplinas, pero con énfasis en el quehacer artístico contemporáneo. Las relaciones que se generan a partir de estas mediaciones producen nuevos entendimientos en la vinculación del arte contemporáneo con espacios periféricos, pues es distinta la manera en que se desplazan los agentes culturales y se realizan las exposiciones que buscan albergar y llegar a nuevos públicos.


¹ Término empleado por Helguera para definir proyectos hechos por artistas y colectivos que juntan procesos educativos a la creación de arte y que ofrecen una experiencia diferente a la de las academias de arte convencionales o a la de la educación del arte formal. Pablo Helguera, “Transpedagogía”, en Pedagogía en el campo expandido, coords. Pablo Helguera y Mônica Hoff (Brasil: Fundación de Artes Visuales de Mercosur, 2011), 181.

² Concepto retomado de Maria Lind para definir la forma en que se relacionan los diferentes agentes del arte, desde curadores, instituciones y público espectador. Maria Lind, “Why mediate art?”, en TEN FUNDAMENTAL QUESTIONS OF CURATING (Italia: Contrappunto S.R.L., 2011), 99.

³ Concepto retomado de Helguera para definir a la comunidad como una construcción de un grupo social temporal que conforman experiencia colectiva y la conformación de estructuras participativas con varios niveles. Pablo Helguera, “Educación para un arte social comprometido”, en Pedagogía en el campo expandido, coords. Pablo Helguera y Mônica Hoff (Brasil: Fundación de Artes Visuales de Mercosur, 2011), 181.

⁴ Término entendido como la forma en que los programas artísticos expositivos funcionan como entes educativos para el público. Mônica Hoff, “Curaduría pedagógica, metodologías artísticas, formación y permanencia: el viraje educativo de la Bienal del Mercosur”, en Pedagogía en el campo expandido, coords. Pablo Helguera y Mônica Hoff (Brasil: Fundación de Artes Visuales de Mercosur, 2011), 251.

⁵ Región que se localiza específicamente entre los Estados de Coahuila y Durango. Las ciudades principales que conforman dicha región son Torreón, Lerdo, Gómez Palacio y Matamoros.

⁶ Este proyecto resguarda su contenido en Instagram y en el archivo personal de la curadora Anahí García Estrada.

⁷ Información obtenida de entrevista con la curadora Anahí García Estrada, resguardada en archivos de audio del autor.

⁸ Los artistas que participaron en esta exposición se enlistan a continuación: Jorge Bordello (Tlaxcala), David Viramontes Nunura (Canadá), Jesús García Valdez (Lerdo), Anahí García (Gómez Palacio), Leonardo Daniel Aguirre (Torreón), Martín Estrada Márquez (Lerdo), Perla Mata Chairez (Matamoros), Ernesto Acosta Candelaria (Torreón), Santiago Muedano (Ciudad de México) y Roger Muñoz Rivas (Costa Rica).

⁹ Clavo Movimiento es una feria de arte contemporáneo que tiene su base en la Ciudad de México. Se realiza anualmente con la participación de diversas galerías y artistas. 


Leonardo Daniel Aguirre (Torreón, México). Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Autónoma de Coahuila (UAdeC) donde se graduó con mención honorífica por tesis enfocada al arte urbano. Actualmente se encuentra estudiando la Maestría en Historia del Arte en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Ha sido becado por el Diplomado en Prácticas Contemporáneas (DIPPRACC Laguna ll) y el Programa de Educación Continua al Artista (PECA). En el 2019 coordinó el podcast de arte contemporáneo Picadillo Club y fundó la plataforma 1000º para la difusión de prácticas artísticas contemporáneas en el norte de México, con publicaciones digitales de carácter editorial. En paralelo se ha desempeñado como curador y ha escrito textos para diferentes exposiciones en Ciudad de México. Como artista ha expuesto en diferentes ciudades a nivel nacional e internacional, su trabajo ha sido expuesto en el programa de trípticos de ARTODAY con sede en Milán, Italia.

Imagen principal: Alfredo Esparza Cárdenas. Diputado local, 2022. Matamoros Coahuila. Fotografía digital.